Mitologias, trajetórias marcadas pela arte, símbolos históricos e vozes que atravessam gerações…

É assim que esta edição da i.Arte&Cultura propõe um olhar sobre o feminino em suas múltiplas formas de existência, criação e expressão.

Mais do que homenagear mulheres, esta edição busca refletir sobre identidade, memória, sensibilidade, força e transformação — temas que atravessam a arte, a cultura e a própria experiência humana.

Carta ao Leitor

Existem temas que não pertencem a um único mês.

Falar sobre mulheres é também falar sobre memória, identidade, arte, resistência e transformação. E é a partir desse olhar que nasce a segunda edição da i.Arte&Cultura.

Durante muito tempo, o feminino foi representado, interpretado e, muitas vezes, limitado por olhares externos. Mas a arte sempre encontrou maneiras de romper essas barreiras, revelando mulheres não apenas como musas ou símbolos, mas como criadoras, vozes ativas, potência e expressão.

Nesta edição, percorremos diferentes caminhos: o simbolismo do Espelho de Vênus na arte e na construção da identidade feminina; a trajetória sensível e surpreendente de Adelina Gomes, atravessada pela arte e pela psique; e a força de Aretha Franklin, cuja voz transformou música em resistência, emoção e reivindicação de respeito.

Mais do que reunir conteúdos, esta edição é um convite à reflexão — sobre o olhar que projetamos nas mulheres, sobre as histórias que atravessam gerações e sobre a importância de continuar ouvindo, valorizando e reconhecendo essas vozes.

Que cada texto seja também um espaço de encontro entre arte, sensibilidade e pensamento.

Boa leitura.

Ivanessa Valladão
Idealizadora e Diretora Criativa da i.Arte&Cultura

Matéria de Capa

Espelho de Vênus : Mitologia, Arte e Identidade

Um símbolo que atravessa séculos refletindo beleza, poder e consciência feminina.

Um círculo com uma pequena cruz abaixo. Um formato simples — quase discreto — que lembra os antigos espelhos de mão. Ainda assim, é muito provável que você já o tenha visto por aí.

Poucos símbolos foram tão persistentes ao longo da história da arte e da cultura quanto o chamado “Espelho de Vênus”.

Associado à deusa romana Vênus — ou à Afrodite, na mitologia grega —, esse signo ultrapassa sua forma gráfica e se consolida como um instrumento visual e simbólico para pensar beleza, identidade, desejo e poder.

Na mitologia clássica, Vênus é a deusa do amor, da beleza e da fertilidade. Sua imagem atravessa séculos, sendo explorada por filósofos e artistas, da Antiguidade até hoje, em pinturas, esculturas, reflexões filosóficas e textos literários. Muito além da vaidade, trata-se de uma construção simbólica complexa.

Durante o Renascimento e o Barroco — períodos marcados pela valorização do corpo humano e pela retomada da herança greco-romana —, o Espelho de Vênus ganha protagonismo na construção de uma imagem feminina idealizada. Nessas representações, o espelho frequentemente aparece nas mãos da deusa ou de figuras que a acompanham, como ninfas e cupidos.

Artistas como Diego Velázquez, Ticiano e Peter Paul Rubens exploraram esse elemento para criar composições sofisticadas, nas quais o corpo de Vênus surge tanto como objeto de contemplação estética quanto como campo de reflexão simbólica.

“Um símbolo aparentemente simples que reflete não apenas a imagem, mas séculos de construção sobre o olhar e o feminino.”

Mas o espelho nunca foi um elemento neutro.

Culturalmente, ele ocupa um lugar ambíguo: ao mesmo tempo em que remete ao autoconhecimento, também sugere ilusão. Desde a Antiguidade, filósofos o utilizam como metáfora da consciência — um meio de reconhecimento de si, mas também um espaço de possível engano, já que a imagem refletida não é a realidade em si, apenas sua aparência.

No caso de Vênus, essa ambiguidade se intensifica. O espelho pode simbolizar o domínio da deusa sobre sua própria beleza e sensualidade, mas também evidencia como o corpo feminino foi historicamente construído para ser observado e desejado.

A partir do século XX, no entanto, essa leitura começa a se deslocar.

O Espelho de Vênus deixa de ser apenas um signo associado à vaidade e passa a ser reinterpretado como símbolo de autonomia e autoconsciência. Nessa perspectiva contemporânea, Vênus não se olha mais para o outro — mas para si.

O gesto de olhar-se torna-se, então, um ato de apropriação: do corpo, da imagem e da própria narrativa.

Assim, o Espelho de Vênus atravessa o tempo como um símbolo aparentemente simples, mas profundamente complexo. Ele não reflete apenas o rosto de uma deusa, mas as transformações históricas do olhar sobre o feminino.

Seja na arte, na cultura ou na sociedade, permanece como um convite: não apenas à contemplação da imagem refletida, mas à reflexão sobre tudo aquilo que projetamos sobre ela.

i.Arte&Vida

Adelina Gomes - Flores, mitologia e inconsciente: a arte como expressão da psique feminina

A trajetória de uma artista brasileira marcada pela arte, pelo inconsciente e pela transformação.

Nascida em 1916, em Campos dos Goytacazes (RJ), Adelina Gomes teve uma educação simples. Filha de camponeses, aprendeu trabalhos manuais ainda jovem.

Aos 21 anos, após episódios de sofrimento psíquico intenso e agressividade, foi internada no Centro Psiquiátrico Pedro II, no Engenho de Dentro. Ali, passou anos vivendo quase em silêncio.

Tudo começa a mudar em 1946, quando Adelina passa a frequentar o ateliê de atividades expressivas criado pela médica psiquiatra Nise da Silveira. É ali, em seu primeiro contato com materiais artísticos, que algo se transforma.

Surge, então, uma produção intensa — que, ao longo da vida, chegaria a cerca de 17 mil obras.

Com o tempo, ao observar suas pinturas, Nise percebe um traço recorrente: figuras femininas que se misturam a pétalas, folhas e caules. Como se o corpo se dissolvesse na natureza. Como se a identidade atravessasse um processo simbólico de transformação.

Uma metamorfose entre o humano e o vegetal.

A partir dessa percepção, Nise identifica um paralelo surpreendente: o mito de Dafne, da Grécia Antiga.

Na narrativa mítica, Dafne — uma ninfa, filha do rio Ladon e da Mãe Terra — é perseguida por Apolo, tomado por uma paixão obsessiva. Mesmo fugindo, ela não consegue escapar.

No limite, busca proteção na Terra, que a acolhe e a transforma em um loureiro.

A metamorfose, aqui, não é apenas mudança — é defesa. É fuga. É sobrevivência.

Ao relacionar esse mito à obra de Adelina, Nise percebe algo ainda mais profundo: a artista nunca havia estudado mitologia. Ainda assim, suas imagens dialogavam diretamente com esse símbolo ancestral.

Para Carl Gustav Jung, isso não é coincidência. Certos símbolos pertencem ao inconsciente coletivo — uma camada profunda da psique humana onde imagens universais emergem, atravessando culturas e épocas.

Talvez seja exatamente isso que vemos nas obras de Adelina: não apenas expressão individual, mas ecos de algo muito mais antigo.

Muito mais profundo.

Você já conhecia Adelina Gomes e sua história?

Quer saber mais? Continue acompanhando a i.Arte&Cultura…

i.Musica

Respect por Aretha Franklin

De cantora mirim gospel à Rainha do Soul.

Com uma trajetória marcada por lutas, traumas, superações e ativismo, Aretha Franklin tornou-se conhecida como uma das maiores cantoras da história da música.

Nascida no ano de 1942, em Memphis, nos Estados Unidos, Aretha Louise Franklin começou a cantar ainda criança, no coral da igreja, o que, de certa forma, influenciou profundamente seu estilo.

Ao longo de sua carreira, misturou soul, gospel, R&B e pop, criando uma voz poderosíssima e cheia de emoção, que marcou uma época e continua conquistando gerações. Ela também ganhou inúmeros prêmios, incluindo vários Grammys, e foi a primeira mulher a entrar no Rock and Roll Hall of Fame, ficando mundialmente conhecida com músicas como “Respect” (seu maior hino, ligado também à luta pelos direitos civis e femininos), “Think” e “(You Make Me Feel Like) A Natural Woman”.

Além de toda a sua trajetória artística e sucesso musical, Aretha Franklin também teve um papel importante na cultura e na sociedade, especialmente durante o movimento pelos direitos civis e pelos direitos das mulheres nos EUA, como um símbolo de força, liberdade e empoderamento.

Ela faleceu em 2018, mas continua sendo uma das vozes mais influentes e respeitadas da música mundial.

“Respect” (Respeito)

Lançada em 1967, “Respect” se tornou a música mais emblemática de Aretha Franklin, não apenas por sua força sonora, mas pelo significado que ela carrega até hoje.

Originalmente gravada por Otis Redding, a canção ganhou uma nova dimensão na voz de Aretha, que transformou o pedido masculino por reconhecimento em uma poderosa afirmação feminina de dignidade e autonomia.

Mais do que uma música, “Respect” acabou se tornando um verdadeiro hino cultural. Em um período marcado por intensas lutas sociais nos Estados Unidos, a canção passou a representar tanto o movimento pelos direitos civis quanto as reivindicações das mulheres por igualdade e voz. O famoso refrão, com sua energia contagiante e sua mensagem direta, ecoa como um grito coletivo por reconhecimento que atravessa décadas.

Aretha não apenas interpretou “Respect”, mas deu um novo significado à música, colocando toda a sua identidade, vivência e força em cada palavra, transformando emoção em expressão universal. O resultado foi uma obra que ultrapassa o campo artístico e se firma como símbolo de transformação social.

Por isso, ao ouvir “Respect”, não estamos apenas diante de uma música, mas de um símbolo que atravessa o tempo, carregando em cada nota um pedido simples, direto e profundamente humano: “respeito”.

Clique aqui e ouça “Respect”, por Aretha Franklin, no YouTube.

Assim encerramos mais uma edição da i.Arte&Cultura.

Entre símbolos antigos, trajetórias marcadas pela arte e vozes que ecoam através das gerações, esta edição nos lembra que falar sobre mulheres é também falar sobre memória, identidade, criação e transformação.

Porque cada expressão artística carrega experiências, sentimentos e histórias que merecem ser vistas, ouvidas e compreendidas para além de um único mês no calendário.

Que esta edição permaneça como um convite à contemplação, à reflexão e ao reconhecimento da arte como espaço de existência, liberdade e voz.

Até a próxima edição.

Em meio aos debates sobre jornada de trabalho, escala 6x1 e direitos trabalhistas - que já não são de hoje -, fica o convite a olhar e refletir sobre essas questões através da arte.

A obra Operários (1933), de Tarsila do Amaral, grande artista plástica brasileira, e a música Fábrica (1986), da icônica banda Legião Urbana, mostram como, mesmo depois de décadas, a arte e a música se encontram para representar a classe trabalhadora e os desafios que ela enfrenta.

Mais do que uma pintura, Operários é um documento histórico - uma crítica social à desumanização e à exploração dos trabalhadores na era da industrialização no Brasil.

Com vários rostos que representam a diversidade étnica da população brasileira - em especial a paulistana - e de sua classe operária, a obra também reflete, ao mesmo tempo, a perda da identidade individual dos trabalhadores, que passam a ser vistos como parte de uma grande massa - como se cada um fosse absorvido por uma engrenagem maior. Além disso, evidencia as condições da época, as lutas por direitos e uma desigualdade social crescente.

Já Fábrica ecoa como um forte grito de protesto - um retrato social que traduz as angústias e as lutas da classe trabalhadora, destacando relações de poder desiguais, em que “o mais forte escraviza quem não tem chance”, e revelando uma indiferença que parece, como na própria letra, “temperada a ferro e fogo”.

Perceba que sua letra é carregada de um forte desejo por justiça e melhores condições de trabalho, e também destaca-se por unir a crítica social à preocupação ambiental, mostrando como a exploração dos trabalhadores e a degradação do meio ambiente fazem parte do mesmo sistema opressor.

A obra Operários, de Tarsila do Amaral, é de 1933. A música Fábrica, da Legião Urbana, é de 1986. Duas expressões artísticas que, mesmo separadas por décadas, continuam refletindo a dura realidade da classe trabalhadora.

E então, fica a pergunta:

De onde vem essa indiferença, temperada a ferro e fogo?

Confira abaixo a letra da música Fábrica, da banda Legião Urbana. E clique aqui para ouvi-la no YouTube.

Fábrica

Legião Urbana

Nosso dia vai chegar
Teremos nossa vez
Não é pedir demais
Quero justiça

Quero trabalhar em paz
Não é muito o que lhe peço
Eu quero um trabalho honesto
Em vez de escravidão

Deve haver algum lugar
Onde o mais forte
Não consegue escravizar
Quem não tem chance

De onde vem a indiferença
Temperada a ferro e fogo?
Quem guarda os portões
Da fábrica?

O céu já foi azul
Mas agora é cinza
O que era verde aqui
Já não existe mais

Quem me dera acreditar
Que não acontece nada
De tanto brincar com fogo
Que venha o fogo então

Esse ar deixou minha vista cansada

Nada demais.

…

No dia 19 de abril, quando o Brasil volta o olhar - ainda que por vezes, de forma superficial - para os Povos Indígenas, revisitar “Roots Bloody Roots”, é mais do que curtir uma música: é um retorno às origens.

Em 1996, a banda brasileira Sepultura lançou “Roots”, um dos trabalhos mais simbólicos e politicamente fortes do metal mundial - não apenas pela sua sonoridade, mas por sua intenção. É como uma carta de amor ao Brasil. Algo que fica bem evidente em suas canções e clipes, produzidos em colaboração especial com o povo Xavante.

Apesar de ser um disco que surpreendeu o mundo na época, e até hoje é considerado um dos álbuns mais influentes no metal, “Roots” também é um divisor de águas e de opiniões entre seus fãs. Pois, além de ser lembrado como o último álbum com a participação de Max Cavalera, ele também não agrada alguns fãs, considerados “old School”, que idolatram o death metal dos primeiros discos do Sepultura.

Na época do álbum, o vocalista Max Cavalera e a banda tiveram contato direto com o povo Xavante, mergulhando profundamente na cultura indígena brasileira, realizando gravações na aldeia, e incorporando cantos, ritmos e instrumentos tradicionais em suas composições. Uma tentativa de criar conexão do som pesado com uma ancestralidade nativa - algo que até então, era pouco comum no metal - e que influenciou diretamente o som e o conceito do disco.

Musicalmente falando, o álbum faz uma mistura de metal extremo, percussões tribais e elementos da música brasileira, inovando através de uma fusão que ajudou a redefinir o gênero e influenciar inúmeras bandas. Criando uma sonoridade híbrida que carrega identidade e posicionamento.

Além disso, “Roots” colocou o Brasil no centro do mapa mundial, e levantou discussões importantes sobre: apropriação vs. valorização cultural; identidade latino-americana e o apagamento dos povos originários. Fazendo uma crítica social e política sobre opressão, desigualdade, violência e marginalização cultural.

Já “Roots Bloody Roots” (Raízes, Raízes Sangrentas), que é a música mais famosa do álbum, fala de pertencimento, mas também de violência. Fala de origem, mas sem romanização. Ao contrário: ela escancara o conflito entre a ancestralidade e um processo histórico marcado por apagamento, invasão e resistência contínua. Podendo ser até considerada como um grito contra a perda das próprias raízes.

E neste contexto do Dia dos Povos Indígenas, essa obra ganha ainda mais potência. Porque não se trata apenas de reconhecer as culturas originárias como parte do passado, mas sim, de entender que elas estão vivas, presentes e ainda lutando por território, por voz e por existência.

Mais do que uma faixa icônica do metal, “Roots Bloody Roots” se torna um símbolo de resistência cultural. Uma lembrança de que raízes não são apenas origem, mas também luta.

E talvez seja por isso que essa música provoca um certo desconforto, de perceber que, no Brasil, falar de “raízes” ainda é falar de feridas.

“Roots” é um álbum sobre identidade, pertencimento e resistência, que questiona: “De onde viemos”?

E deixa a reflexão: O que acontece quando nos desconectamos disso?

Até a próxima!

Clique aqui e ouça Sepultura - Roots (full album).

Clique aqui e veja o clipe oficial de “Roots Bloody Roots”

A i.Arte&Cultura está de volta.

Nesta primeira edição, celebramos o renascimento, o silêncio criativo e os processos que acontecem longe dos holofotes.

Da atmosfera etérea de Enya à reflexão crítica sobre a indústria da moda, passando pelos bastidores da criação artística, esta edição convida à pausa, à escuta e ao olhar sensível.

Seja bem-vindo(a) à nova i.Arte&Cultura.

Carta ao Leitor

Olá!

Após um período de pausa, como uma borboleta em seu casulo, passamos por uma metamorfose. Nesse tempo, observamos, analisamos, ensaiamos e sentimos que era necessário reestruturar — e, sobretudo, expandir.

A i.Arte&Cultura nasce (e renasce) como uma revista digital independente dedicada à arte, à cultura e aos processos criativos. Um espaço para observar, sentir e compartilhar expressões artísticas em suas múltiplas formas — da música às artes visuais, da literatura às experiências culturais do cotidiano.

Mais do que informar, propomos pausas, reflexões e encontros sensíveis com a arte, valorizando artistas, projetos e olhares que transformam o mundo ao redor.

Agora, a i.Arte&Cultura é também uma newsletter mensal, com uma curadoria especial de conteúdos pensados para quem deseja se aproximar da arte com mais presença e sensibilidade.

Esperamos tê-lo(a) sempre com a gente.

Com carinho,
Ivanessa Valladão
i.Arte&Cultura

Matéria de Capa

Enya e seu estilo inconfundível

Silêncio, mistério e a criação de atmosferas que atravessam o tempo.

Cantora, compositora e instrumentista, Enya é uma daquelas artistas que encantam tanto pela sua arte quanto pela atmosfera que ela cria.

Com forte influência da música celta e clássica, suas canções são mágicas, marcadas por camadas vocais sobrepostas e harmonias etéreas. O que conquistou milhares de fãs em todos os continentes.

Seu talento, sua beleza e suas canções são únicas, inconfundíveis. O que tornou a irlandesa Enya, uma das artistas mais bem pagas e bem-sucedidas do planeta, com oito álbuns de estúdio lançados e milhões de cópias vendidas.

Gravou também canções que fizeram parte de grandes obras cinematográficas, como por exemplo: Senhor dos Anéis com “May It Be” (2001), Doce Novembro com “Only Time” (2000), O Jardim Secreto com “Flora’s Secret” e, recentemente, Drácula: A Love Tale com “Caribbean Blue” (1991), entre outros.

Com um estilo de vida um tanto peculiar e reservado, Enya não se apresenta em turnês. Ela faz pouquíssimas aparições públicas, raramente dá entrevistas e vive de forma quase isolada, em seu castelo medieval, na Irlanda, cercada por gatos, silêncio, neblinas e colinas verdejantes.

É exatamente neste lugar, longe dos holofotes e barulhos do mundo, que Enya tem um estúdio particular. E quase como em um ritual, no silêncio de seu castelo, ela cria suas composições com a ajuda de seus fiéis parceiros de longa data, Nicky e Roma Ryan. E o resultado são lindas canções que parecem ter vindas de outro mundo.

Aliás, suas músicas são como orações sonoras, sussurros encantados que atravessam o tempo. E talvez, seja isso que faz com que a artista seja um enigma. Como uma daquelas estrelas que brilham intensamente, mesmo longe do brilho dos palcos.

Enya é, talvez, uma das últimas artistas que conseguiu manter intacta uma aura de mistério em um mundo onde tudo se revela. Como uma personagem dos contos e lendas celtas, que tanto inspiram suas músicas.

i.Arte & i.Moda

Exposição Sistêmico

Por trás da vitrine: Quem faz as minhas roupas?

Entre abril e maio de 2025, aconteceu no Museu Histórico e Pedagógico Dom Pedro I e Dona Leopoldina, em Pindamonhangaba-SP, a Exposição “Sistêmico: Por trás da vitrine: Quem faz as minhas roupas?”, de Klau Cassiano.

Essa Exposição foi pensada e criada pela artista com o objetivo de engrossar a voz do “Fashion Revolution”. Um movimento global, com o olhar voltado a conscientizar sobre os impactos socioambientais da indústria da moda, através de uma campanha colaborativa mundial, chamada “Semana Fashion Revolution”, que geralmente acontece no mês de abril, há pouco mais de 10 anos.

O movimento Fashion Revolution surgiu após o desabamento do edifício Rana Plaza, em Bangladesh, que aconteceu em 24 de abril de 2013, onde 1.138 trabalhadores da indústria têxtil morreram, expondo as condições desumanas que a sustentam.

A Exposição “Sistêmico”, foi composta por diversas peças criadas e confeccionadas pela Klau Cassiano, de forma manual e feita uma a uma. A artista utilizou resíduos têxteis e materiais descartados pela indústria da moda, assim como, várias técnicas artesanais de tingimento, estamparia, bordados e aplicações, produzindo uma representação artística dos processos de criação fashion. A Mostra também contou com peças de maquinário antigo, fotografias, ilustrações e esculturas representativas.

Designer de moda, figurinista, artista visual e representante regional do Movimento Fashion Revolution, Klau Cassiano, trouxe à tona a prática do upcycling em sua exposição, destacando a transformação e arte que envolvem o processo de desenvolvimento do vestuário, convidando o público a refletir sobre a criação, o uso e o descarte na moda.

E através de suas obras, a designer e artista busca, não apenas mostrar a beleza da arte de confeccionar, mas também, conscientizar sobre a importância de uma moda mais responsável e consciente. Uma oportunidade incrível para explorar a interseção entre arte, moda e sustentabilidade.

Conheça mais sobre o trabalho da artista em: @kcnlab (Instagram)

Colunista Convidado – i.Arte&Cultura

Arte nos Bastidores - com o artista plástico e ilustrador Levi Rezende

por Vanessa Santana

Vanessa Santana é artista plástica, artesã e curadora.Com 20 anos de experiência e um olhar sensível, Vanessa acredita que a arte registra a história da humanidade, propaga beleza, promove reflexões e visão de mundo, podendo ser mais democrática e acessível. E em sua participação como colunista convidada pela i.Arte&Cultura, escolheu o artista plástico e ilustrador Levi Rezende, para contar um pouco sobre seu trabalho nos bastidores. Confira a matéria.

Quando a arte e suas diversas formas se encontram num artista tão único! Levi Rezende, artista plástico, 22 anos, nos conta que começou com o guache e a pintura digital sem muito conhecimento prévio. Num salto de cabeça, conforme as dificuldades iam surgindo, Levi foi buscando mais conhecimento. O mesmo aconteceu com outras técnicas, como a pintura acrílica e aquarela, técnicas que o artista começou a experimentar de um ano pra cá.

Curiosidade, pesquisa, vivências, experiências. Como repertório, Levi está sempre atento aos acontecimentos do seu entorno, pessoas, notícias, clima, acontecimentos mundiais. Nem tudo é usado de maneira intencional, mas querendo ou não, tudo isso nos afeta, afirma o artista. E quando produz e lança um trabalho no mundo, Levi sente que está afetando o mesmo.

O artista nos conta que prefere o planejamento a contar somente com a intuição, porém, admite que a intuição o ajuda a lidar com os problemas no caminho, e é com ela que os pequenos prazeres da descoberta surgem durante o processo.

Levi não é muito adepto dos rituais, mas aprecia ouvir músicas que o ajudem a dar formas às suas imagens mentais, também gosta de assistir séries entre outras coisas que tenham a ver com a arte que está executando no momento.

Fascinado pelo fenômeno da fé, e maravilhado com a forma com que as pessoas se mobilizam em nome da sua espiritualidade, a mitologia tornou-se um eixo forte no seu trabalho. Das formas de arte, a primeira que se identificou foi a escrita. Foi o amor pela escrita que o levou a leitura e ao fascínio das narrativas. E pra ele, a mitologia é uma das formas mais interessantes de narrativa. “Alguns mitos podem conter um fundo de verdade, e a verdade revelada em muitas mitologias são as da nossa natureza humana”, afirma.

No momento, Levi se dedica também ao seu canal no You Tube, o “Ateliê do Fauno”, onde viu a possibilidade de mostrar o que está por trás do seu trabalho.

O processo? Trabalhoso, são pilhas de livros como suporte para gravar, enquadramento, três luzes diferentes para boa visualização, e a saga da edição.

Falando em escrita e arte unidas, Levi é autor do quadrinho “Mensageiro do Oceano”, que retrata suas próprias visões de mundo sobre impermanência e vazio. “Foi um trabalho muito desafiador por ser meu primeiro quadrinho, e por ter refletido mais do que o normal sobre o texto em si, na forma de comunicá-lo”, conta.

Entre preocupações com o futuro, mas não vendo sua vida sem arte, Levi não conta somente com talento, deixando claro que como toda profissão, para ser artista visual requer investimentos em estudos, materiais, tempo e energia. E nós nos consideramos privilegiados em ter artistas como ele, que apesar de tantos desafios, seguem compartilhando suas reflexões de vida com o mundo!

Conheça mais sobre a artista plástica, artesã e curadora Vanessa Santana, em seu perfil no Instagram: @vanessasantana.art

A i.Arte&Cultura segue em movimento — em metamorfose constante.
Esta edição marca um recomeço, um novo ritmo, um novo olhar.

Obrigada por estar aqui e fazer parte desse processo.
Até a próxima edição.